晴空蓝

经过十七、十八世纪近三百多年的继承发展，特别是十八世纪八十年代奥地利著名作曲家格鲁克对歌剧艺术的大胆改革，提倡音乐要服从戏剧，反对音乐创作上的形式主义，压制歌唱家们在舞台上不顾内容地炫耀技巧，做娱乐性的表演。在演唱上除去与剧情无关的多余装饰，在创作上要求音乐尽量自然朴素，真实的表现戏剧内容。之后经过海顿、莫扎特等音乐家的创作发展，特别是莫扎特在歌剧艺术上的具大贡献，为后期的现实主义歌剧奠定了基础。

一、欧洲各国歌剧发展情况

十九世纪的歌剧就是经过几个世纪的继承、发展、完善而形成的。这个时期“浪漫主义”，代表着整个欧洲文学艺术的新思潮新风格。其中，德奥歌剧的代表人物韦伯、马施纳等成为德奥民族歌剧的先驱，像韦伯的《自由射手》《奥泊龙》。马施纳的《吸血鬼》等。在歌剧之乡意大利同样受到当时进步的积极的浪漫主义文学作品的影响。内容取材于历史的英雄人物和民间故事，打破了古典文学狭窄的题材范围，摆脱了旧文学、旧框框，力求接近现实生活，反映现实生活。像意大利作曲家罗西尼的歌剧《塞维利亚的理发师》《威廉退尔》贝里尼的《诺尔玛》《清教徒》。唐居采蒂的《爱的甘醇》《拉美莫尔的露齐亚》等歌剧大都是与当时的现实生活有着密切联系的。

意大利歌剧在十九世纪下半叶达到了创作的辉煌时期。

威尔第在继承发扬了意大利优秀歌剧传统的同时，创作了大量的作品，在他三个不同的创作时期分别写下了《纳布科》《厄尔南尼》《麦克白斯》《弄臣》《游吟诗人》《假面舞会》《茶花女》《命运之力》《阿依达》《奥塞罗》《法尔斯塔夫》等优秀作品。至今还有许多脍炙人口的作品在舞台上久演不衰。

在意大利还出现了反对浪漫主义的“真实主义”的思潮。其中马斯卡尼的《乡村骑士》和雷昂长瓦洛的《丑角》真实地表现了城市民众下层的生活，深受意大利人们喜爱。普契尼创作的《艺术家的生涯》《图兰朵特》《托斯卡》《蝴蝶夫人》《西部女郎》也都是十九世纪下半叶歌剧中的经典作品。

不难看出，十九世纪的歌剧在风格上以“浪漫主义”文学艺术为中心，理想主义为代表，在民间艺术中寻取创作素材，创作手法上增加了抒情因素。器乐作品主题中贯穿了歌曲性的主调。在声乐作品的创作中注意与戏剧的轻歌剧喜歌剧的结合，逐渐发展成了后来的歌剧规模宏大，结构严谨、完整、舞台设计富丽堂皇，演员阵容强大的“正歌剧”和“大歌剧”。

二、歌剧对声乐艺术的影响

进入十九世纪，“美声”这种带有一定美学原则的艺术思想的学派，开始走向新的时期，我们称之为“美声学派的黄金时期”。这个时期随着歌剧创作的繁荣发展，也使得演唱人才层出不穷。

十九世纪20年代，在阉人歌手遭到淘汰，舞台上真正的男声逐渐开始上升到了主角地位，这无疑对后期的男声演唱是一个促进。也正是由于罗西尼创作了许多以男声为主角的歌剧奠定了男声演男角，女声演女角的近代歌剧形式。

十九世纪可以说是男高音的“黄金时期”尤其是以男高音担任主要角色已是相当普遍。经常会有一些音域宽广声区之间跳跃效大，这就要求演唱者要有高超的技巧，有慷慨激昂的响亮声响。又要求能灵活的而有弹性地做一些高难度快速走句和花腔装饰。

唐尼采蒂不仅是一位多产作家，同样他也是一位训练有素的杰出男低音。他创作的歌剧《拉美莫尔的露齐亚》《爱的甘醇》等，都有戏剧的舞台效果，歌剧中优美的旋律，独特的表现手法，使得演唱者既能较好的发挥其声乐技巧，同时演唱起来又省力容易，也深受观众们的喜爱。

贝里尼也是一位懂得发挥声乐技巧的大师。在他的歌剧创作中不难看出常有“贝里尼式”的男高音的演唱方式来表现出连贯、秀丽、挺拔、灵巧、华丽而富有诗意。

伟大的威尔第应该是这个时期的歌剧具匠。他对声乐很有研究，在歌剧创作中都能发挥各声部的声音特点，不仅好唱而且好听。不仅在独唱中的咏叹调，能发挥出歌者的声音特点，而且在重唱，合唱中同样把声音发挥的淋漓尽致。从而更增加了歌剧的戏剧效果和艺术美感与观赏性。也正是这位伟大的歌剧大师，把歌唱带进了一个伟大的辉煌时代。

三、十九世纪的演唱风格

进入十九世纪下半叶，欧洲各国的浪漫主义文化思想开始有了动摇。伴随着歌剧创作戏剧性增强，剧情内容矛盾冲突加大，就要求声音丰满、宏大、铿锵有力，慷慨激昂。要求声音具有战斗性、号召性、更具有戏剧性。这样就给演唱家们提出了更高的要求。不仅声音要圆润，挺拔，共鸣集中，而且声音要连贯、明亮而致远。

声乐艺术也正是在这个辉煌时期涌现出了大批的杰出的歌唱家。意大利的著名声乐教育家兰佩尔蒂培养了许多著名歌唱家在教学上享有很高的声誉。他提出“呼吸”是良好歌唱的重要和必要的基础。指出“歌唱家必须有气息支持的声音”。指出了歌唱时必须运用横膈膜呼吸等等。法国著名高音歌唱家杜普雷提出的“遮盖”唱法，指出了声音不同声区的使用和转换。另有波兰的男高音歌唱家雷克斯提出的“面罩”唱法。提出“声音靠前，把声音放置在面罩上”强调加强头腔共鸣。这样声音就会明亮集中。在西班牙也有一位男低音加尔西亚提出“声音冲击”的学说。指出“歌唱家真正的嘴应该在口咽”的观点，并著有许多声乐演唱方面的论文。

在当时，声乐艺术发展非常快，歌唱人才辈出，声乐理论著作形式多样。因此，在理论方面也难免有些杂乱，有的甚至是不科学的。

随着演唱技术的发展，“关闭”也逐渐应用到男中音声部，同时也具有轻巧灵活和花腔等特点。

在威尔第时期，声乐演唱是一个鼎盛时期，从演唱的技巧上比以前混入更多的胸声有很强的爆发力和戏剧性。声音具有华丽激昂，同时，又具有战斗性和号召性是它的特点。

瓦格纳时期的声乐艺术则要求雄壮中带有粗扩的武士气质，要求有更多的胸声和接近男中音的音色，同时要求具有强健的体格良好的歌唱机能和深刻的哲学思想。因此，我们把专演唱格纳歌剧的戏剧男高音称之为“英雄男高音”。

此外，在一些民族歌剧的演唱上，歌唱家们由于对该国文字，语言不熟悉，民族音乐风格难把握，因而演唱起来就逊色许多。

还应该提到的是不同于歌剧演唱形式的艺术歌曲演唱风格。

在德国，奥地利兴起了以舒伯特，舒曼、勃拉姆斯、斯特劳斯等为代表的艺术歌曲高潮。这一特殊的声乐体裁，随着艺术歌曲的兴起常常出现在音乐会上演唱。虽然艺术歌曲也是应用美声唱法，但在风格上是不同于歌剧演唱的。艺术歌曲演唱具有室内乐特点，要求细腻、含蓄多变。不像歌剧演唱那样戏剧性强，表演幅度大，人物个性鲜明。总之，声乐艺术无时无刻不在推动着歌剧的发展，从而更加丰富、完善了歌剧的表现力，歌剧艺术同样促进了声乐的进步发展，才使得二者在十九世纪双双进入了艺术的顶峰。

最后，让我们感谢那些伟大的歌剧作家们为歌剧艺术做出的贡献，更感谢那些为世界声乐艺术的进步、发展付出艰苦努力的歌唱家和理论家，是他们给我们提供了丰富的精神食粮，同时又给我们留下了许许多多宝贵的经验和财富。